Un 31 de Mayo de 1969 Yoko Ono y John Lennon grababan 'Give peace a chance'

En una de sus famosas jornadas de 'in bed', el ex Beatle y su mujer grabaron esta canción que se convirtió en todo un himno a favor de la paz. La pareja se había casado en Gibraltar, el 20 de mayo, de ese año. Éste fue el primer single de Lennon lejos de The Beatles y también primer éxito de un miembro del grupo fuera de la formación.
Un canto a la paz que corresponde a la época más mística de Lennon surgida a raíz de su relación con la artista japonesa. De hecho el tema se grabó en un hotel de Toronto (Canadá) durante su peculiar y reivindicativa luna de miel. Desde la cama y junto a su esposa grabó y filmó este tema en forma de protesta por la guerra de Vietnam. La canción se incluyó en el disco Wedding album.

Un 31 de Mayo de 1948 nacía John Bonham (Led Zeppelin)

Nació en Birmingham (Reino Unido). Fue el batería de Led Zeppelin, una de las bandas de rock más importantes de los años 70, que escribió páginas de oro en la historia de la música y grandes canciones, entre ellas la archiconocida Stairway to Heaven. El resto del grupo lo conformaban Robert Plant, Jimmy Paige y John Paul Jones.
John Bonham murió en 1980 y las cosas no volvieron a ser lo mismo. Por ese motivo los miembros supervivientes tomaron la decisión de no continuar adelante con Led Zeppelín. Atrás quedaron nueve fantásticos álbumes, como Led Zeppelín IV(1971), del que se llegaron a vender 11 millones de copias, Physical graffiti (1975) o The song remains the same (1976).
En 1982 se editó el recopilatorio Coda, y en 1994 todos los miembros de la banda, John Bonham incluido, pasaron a formar parte del Rock And Roll Hall of Fame.

Un 31 de Mayo de 1966 The Monkees comienzan consu serie de televisión

Algunos crecimos, da vértigo decirlo, viendo sus ñoñas gamberradas en la tele. Pretendían ser la versión americana de los Beatles, pero estaban más cerca de las Spice Girls o de los Backstreet Boys que del cuarteto británico.
El 31 de mayo de 1966 comenzó a rodarse una sere de televisión que pretendía explotar la estela que habían dejado en la juventud de todo el mundo Richard Lester y Los Beatles con “Qué noche la de aquel día”.
El proyecto nació, de hecho, antes que el grupo que fue el resultado de un casting al que se presentaron más de 400 jóvenes músicos, entre otros, Stephen Stills y Harry Nilsson.
Finalmente, se hicieron con el puesto Michael, guitarra y voz, Micky, a la batería; Davy, el cantante, y Peter, al bajo.
Se inauguraba una fórmula que aún hoy funciona: en cada uno de los integrantes del grupo se buscaba una personalidad o un físico tipo.
Así teníamos al gamberrete, al gordito, al bajito, al alto, al guapo, al romántico, al ligón, etc. Todo para que cada chico se identificase con ellos y para que cada chica se enamorase de ellos.
En la serie se echó el resto. Como si de una cuestión de protección del mercado nacional se tratase, se contrató a los mejores letristas y compositores del mercado.
Por poner algún ejemplo: Neil Diamond, Bobby Hart, Carole King y su marido Gerry Goffin estaban entre ellos.
Un año después de que arrancase el rodaje, la serie era ya un éxito y The Monkees se hicieron con el premio Emmy de sy categoría.

Un 30 de Mayo de 1973 'My love', de The Wings llegaba al Nº 1 de Billboard

La canción, de Paul McCartney & Wings, fue el primer nº 1 de este grupo. El tema se incluía en el álbum Red rose speed away (1973). El disco al completo se convirtió además en nº 1 en EE UU, a pesar de recibir escasos halagos por parte de la crítica.Wings lo formaban, además de Linda McCartney, la esposa de McCartney, el guitarrista Denny Laine y el batería Geoff Briton. Fue una etapa dura para el ex Beatle, ya que ni el público ni crítica terminaba de aceptar el nuevo camino musical por el que había optado el artista, pero lo cierto es que consiguieron varios nº 1 en Billboard.

Un 30 de Mayo de 1958 nacía Marie Fredriksson (Roxette)

Nació en Östra Ljungby (Suecia) en 1958. Es la vocalista de Roxette, grupo que formó en 1984 junto a Per Gessle. Con su segundo álbum Look sharp! (1988) y temas como The look o Dressed for success se convirtieron en una de las bandas de pop más populares de principios de los 90.
En 1997, dado el éxito que tienen en nuestro país, publicaron Baladas en español. En 2005 inició su andadura en solitario cantando en inglés con The change.

Blur piensa grabar un nuevo disco

Damon Albarn confirmó la posibilidad de un nuevo trabajo del cuarteto de londres.

El líder de Blur, Damon Albarn, ya venía sugiriendo un posible nuevo trabajo de la banda, pero esa posibilidad había quedado en la mera especulación de los periodistas y fanáticos.

Sin embargo, en una reciente entrevista con la revista Rolling Stone, Albarn, además de adelantar algunos detalles de lo que será su primer trabajo solista, afirmó que un nuevo disco de su banda podría ser grabado durante ratos libres de la gira que los traerá a Montevideo en Noviembre.

"Tenemos algunas ocasiones donde estamos varados en el medio de la nada. Por eso podríamos grabar un disco en una semana. Si podemos, sería muy bueno", dijo a la revista.

Esto se suma a otra de las declaraciones que el cantante y compositor realizó a principios de mes en Hong Kong, donde también dijo al público que una semana libre en la ciudad podría abrirle las puertas a la creatividad y una posible visita al estudio de grabación.

El último disco que Blur grabó fue Think Tank en 2003, sin la participación de Graham Coxon en la guitarra. Sin embargo, el año pasado editaron dos nuevo singles, Under the Westway y The Puritan.

Mientras se espera la salida de estas nuevas músicas, se podrá escuchar el disco solista de Albarn, que según sus palabras, tiene raíces en el soul y el folk, y fue realizado en colaboración con Richard Russell, baterista y dueño de la discográfica independiente XL Recordings.

Albarn también planea realizar una gira de presentación de este disco, donde tocaría canciones de toda su carrera, incluyendo temas de Blur y Gorillaz.

Un 28 de Mayo de 1968 nacía Kylie Minogue

Nació en Melbourne (Australia). Actriz y cantante, el comienzo de su carrera artística la llevó más hacia la interpretación que hacia la música. En Inglaterra y EE UU comenzó a adquirir popularidad gracias a su papel en Neighbours, una famosa serie de televisión australiana.

En 1987, arropada por el trío de productores británicos Stock, Aitken & Waterman, grabó una versión de un tema de Little Eva llamado Loco-motion, que se convirtió en el primer gran éxito de Kylie Minogue, la cantante.

Un año después la canción se hacía con un puesto en la parte alta de las listas de éxitos de EE UU y del Reino Unido. Otro de sus temas más recordados de aquella época es I should be so lucky. Tras publicar varios discos en los años 90, de los cuales ninguno tuvo una repercusión reseñable, en 2000 fichó por el sello Parlophone, de Pet Shop Boys, y resurgió, con cambio de look incluido, como una de las grandes divas del pop.

Se quitó el apellido y se hizo llamar sólo Kylie. El single Spinning around se colocó directamente en el nº 1 en EE UU y en el Reino Unido. En 2001 Kylie publicó Fever, donde se incluye Can’t get you out of my head, tema que la elevó al estatus de gran estrella del pop. En 2004 ha editado Body language, disco que incluye temas como Slow, con un sugerente videoclip, o Chocolate.

Un 28 de Mayo de 1945 nacía John Fogerty

No hay ninguna duda de que John Fogerty fue el alma de “Creedence Crearwater Revival”, el grupo que a lo largo de cinco años, de 1968 a 1972, marcó una línea que luego seguirían muchos músicos de generaciones posteriores.

John Cameron Fogerty había nacido el 28 de mayo de 1945 en la californiana Berkeley.

Su hermano mayor Tom había formado a finales de los 50 un grupo llamado “The blue velvets” que grabó varios discos que pasaron sin pena ni gloria.

Constituídos ya como Creedence Clearwater Revival, firmaron con la que sería la compañía de sus éxitos, Fantasy, pero de nuevo les faltó tirón, hasta que John, el más joven de la banda, comenzó a poner su voz y su guitarra en las canciones.

En apenas dos años, Creedence consiguió colocar nueve sencillos en el “top ten” norteamericano y los nueve llevaban la firma del pequeño de los Fogerty.

En 1972 John Fogerty cumplió un viejo sueño: grabar un disco de versiones en el que tocaba todos los instrumentos.

Ese disco iba firmado como The BlueRidge Rangers y fue sólo el comienzo de la carrera en solitario de Fogerty que, ya en 1975, grabó el que, formalmente, sería su primer álbum en solitario.

A partir de ese primer álbum con su firma, John se vio obligado a guardar silencio durante casi una década por problemas de derechos con su antigua discográfica y sus antiguos compañeros.

En 1984 regresó con mayor o menor fortuna, para retirarse de nuevo dos años después y no regresar hasta mitad de los noventa. A mediados de la primera decada del 2000, John Fogerty se dio otro gusto: publicar una antología en la que se incluyen todos sus éxitos en solitario y con sus antiguos compañeros.

Un 26 de Mayo de 1926 nacía Miles Davis

Miles Davis nació en Alton (Illinois, EE UU). A lo largo de más de 50 años de trayectoria profesional Miles Davis escribió con letras mayúsculas su nombre en el universo de los mejores trompetistas de jazz. Además de su maestría con este instrumento siempre fue considerado un innovador en su género.

En su haber cuenta con siete premios Grammy y más de medio centenar de trabajos publicados, entre ellos Birth of the cool (1949), Bags groove (1954) o 'Round about midnight (1955) como algunos de sus mejores trabajos. Uno de sus temas más recordados es The doo-bop song. Murió en Santa Monica (California, EE UU), víctima del sida después de haber recogido los frutos de una carrera llena de éxitos.

Un 26 de Mayo de 1975 nacía Lauryn Hill

Nació en Nueva Jersey (EE UU). Considerada por muchos una de las voces femeninas más importantes del hip hop, sobre todo tras la publicación de su primer disco en solitario The misseducation of Lauryn Hill, esta cantante inició su andadura musical amparada dentro de un grupo llamado The Fugees.

Fue con el segundo disco del grupo, The score (1996), cuando el trío adquirió fuerza y posiciones privilegiadas en las listas de ventas americanas. La versión de Killing me softly with his song, un tema de Roberta Flack, que The Fugees recreó con sonidos cercanos al rhythm & blues, fue, sin duda, el tema estrella de su carrera.

Ya en solitario, Lauryn destacó con temas Doo wop (that thing), y sobre todo los cinco Grammy que recibió por su primer disco. En el 2002 apareció un nuevo trabajo de Lauryn Hill, esta vez el Unplugged Number: 2.0.

Un 26 de Mayo de 1994 Michael Jackson contraía matrimonio con Lisa Marie Presley

La estrella del pop y la hija del Rey del rock contrajeron matrimonio, no exento de polémica, en República Dominicana. Para ella era su segundo matrimonio, y el primero para el cantante de Thriller.

La ceremonia, pese a lo que se pudiera pensar, fue una celebración íntima, tanto que la prensa internacional no se hizo eco hasta una semana después.

Los rumores acompañaron a los recién casados desde el primer momento, ya que muchos pensaron que el cantante buscaba hacerse con los derechos de las canciones de Elvis Presley, además de lavar su imagen, sensiblemente dañada después de que fuera acusado de abusos a un menor. El matrimonio duró un año y medio. Se separaron a comienzos de 1996.

Un 26 de Mayo de 1971 Don McLean grababa "American Pie"

Está entre las 100 mejores canciones de la Historia de la música pop y ostenta el récord de haber sido número uno en tres décadas distintas y en dos versiones diferentes, cantada por el mismo intérprete que es a la vez su creador.

La canción, grabada el 26 de mayo de 1971, tardó poco en llegar al número uno de las listas y puso en el mundo a su autor e intérprete, Don McLean, que vivió a lo largo de esa década un esplendor que, pese a las sucesivas reediciones, nunca volvió a ser el mismo.

La canción repleta de frases abstractas y con doble sentido habla del día en que murieron Buddy Holly y Richie Valens: “el día, dice la letra, en que murió la musica”.

Al parecer Don McLean nunca ha querido explicar quienes son los personajes que aparecen en ese largo poema que es la canción.

Se cuenta que el bromista es Bob Dylan, que “el cuarteto” no son otros que los Beatles y que hay alusiones al asesinato de Sharon Tate y sus amigos a manos de Charles Manson y su secta.

Se dice también que las “Miss American Pie” del estribillo es una novia que tuvo McLean que participó en el concurso para alegir a miss America. En fin retazos de una adolescencia con la que no es difícil identificarse.

Por cierto, de las muchas páginas de Internet dedicadas a la canción, hay una, en español, que concede 16 folios a interpretar el texto.

En 2000, Madonna grabó una versión de “American Pie” para la banda sonora de la película “The best next thing” que también llegó al número uno en casi todo el mundo.

Blur tocará en Montevideo

La banda londinense que marcó el inicio del movimiento britpop de los años 90, se presentará en el Teatro de Verano el 4 de noviembre en el tercer festival Primavera Cero. Es una de las giras más buscadas de 2013.

El año pasado, Londres regaló a sus ciudadanos un gran concierto en Hyde Park la misma noche en que los Juegos Olímpicos terminaban. El acto de cierre de ese evento fue Blur, que dio un recital cargado de éxitos de sus siete discos de estudio, ante 80 mil personas. Los medios vieron ese premio como algo no menor. Después de todo, sus músicos se reunieron en 2009 para dar una pequeña serie de conciertos, en su mayoría igual de masivos. Ver a Blur era en 2012 una rareza, ya que la banda de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree no emprendió gira mundial ni tampoco se puso a recorrer Inglaterra, a pesar del fervor global que despertó su regreso en 2009.

Blur es esencial para la música pop británica contemporánea casi que desde su formación. Desde la edición del disco Modern life is rubbish en 1993, en Inglaterra explotó una reactivación del rock británico como oposición a la fiebre Nirvana estadounidense; un regreso a una variante de pop rock a la británica, con formas muy tradicionales y referencias casi obvias (The Kinks, David Bowie, The Beatles) cruzada con los referentes de la última oleada del psicodélico Madchester (Happy Mondays, The Stone Roses). Pero además Blur fue una de las bandas más londinenses de esa década. Las escenas de sus canciones y muchos de sus videos suceden allí, y su esencia mantiene esa ironía fina y el desparpajo con la que muchos habitantes de esa ciudad se identificaron. Hacia afuera hubo una explosión global del movimiento britpop, surgido a través de esos recursos de los que se apropiaron muchas otras bandas y que tuvo su punto máximo en las recordadas peleas por quién vendía más discos con Oasis. Aún hoy, el britpop como género sigue generándole buenas recaudaciones a la industria musical británica y es visto en perspectiva como uno de los movimientos más importantes del rock mundial de finales del siglo XX.

De ahí la importancia de la visita de Blur a Montevideo, en el marco de una de las giras más solicitadas del año musical en lo que a pop y rock refiere. Han sido cabeza de festivales multitudinarios y prestigiosos como Coachella en Estados Unidos, o Primavera Sound en España y están entre las bandas más reclamadas por los fanáticos del circuito sudamericano.

Si los festivales son el marco habitual para el rock de estos tiempos, Blur es este año la pieza a tener, a sabiendas de que no hay garantías reales de que estos cuatro amigos londinenses, reconciliados tras una desgastante separación en 2001, sigan tocando juntos en el futuro cercano. 

La visita de Blur para el 4 de noviembre fue confirmada a El Observador por el productor Danilo Astori Sueiro. La banda local telonera será Sonia y las entradas estarán a la venta el 15 de junio en locales de Red UTS, con precios que rondarán los $ 1.300 y los $ 2.000. Habrá una segunda fecha del festival con otro artista internacional a confirmar en los próximos días.

Tras la biografía de Blur hay muchas canciones que pasan por géneros dispares y a veces opuestos, como el noise y el pop más bailable y radial. Todo de parte de una inquieta banda que siempre, con mayor o menor éxito, intentó encontrarle la vuelta a su música más allá de las zonas de confort y de esa guerra comercial en la que cayeron sin darse demasiada cuenta y que le agregó picante a esa época musical.

De la Westway al mundo
Pop liviano, guitarrero e ideal para radios FM. Baile con aire antiindustria. Experimentación con influencias ruidosas de procedencia norteamericana. Arrogancia de culto devorada por tabloides. Éxito y símbolo de la “cool britannia” que fue banda de sonido de la llegada del laborista Tony Blair, a ser Primer Ministro en las islas.

Todo eso sintetiza el corpus artístico y la identidad de Blur, una banda cuyos integrantes viven hoy la cuarta década de su vida, entre proyectos personales (incluso algunos por fuera de la música) y esporádicos encuentros en forma de concierto. Esta gira marca la mayor cantidad de tiempo que pasarán juntos como banda en muchos años.

La discografía permite elegir varios tipos de Blur. Para empezar, los años noventa encuentran a sus músicos dentro de un estudio en el que estos oriundos de la zona de Colchester se juntaban a probar sonidos bajo el nombre Seymour. En ese entonces, Blur sonaba como algo crudo que se movía entre ramalazos de baladas, ruido, punk y otros derivados rockeros que rápidamente fue transformado en un producto sin forma pero más radiable. Era 1991 y Leisure mostró a Blur como una especie de pastiche pop visitado por el típico baggy (género inglés entre el rock, la psicodelia y el dance de moda en los años ochenta que puso en el mapa a bandas como Stone Roses, Inspiral Carpets y Happy Mondays) con otras referencias más propias del rock británico. El mencionado Modern life is rubbish contaba con precisión, ironía y una melancolía subyacente la Inglaterra de ese entonces, una que defendían en oposición a lo estadounidense. Eso duraría hasta Parklife (1994), el disco más popular en la historia de la banda.

Tras el apogeo, Blur comenzaría a gustar menos de las giras y más de moverse a través de la sana inquietud de no dejar etiquetar su sonido. A diferencia de Oasis, Blur siempre admitió diversas formas musicales en su sonido; de ahí que en The Great Escape (1995, el año de “la batalla del britpop” con Oasis) ya se le ven a la banda referencias propias de personas que han salido al mundo y los trabajos Blur (1997) y 13 (1999) profundizan aún más en una identidad que sumó referencias como Dinosaur Jr. o Pavement, dos bandas estadounidenses mucho más cerca del culto que de la popularidad. El estilo Blur se hizo mucho más indescifrable y menos previsible, y, a la vez, menos irónico y más desangelado. Aquí, Blur se convierte en la banda de canciones furiosas como Song 2 o la confesional balada Tender. Es también la banda de sonido de la crisis dentro de la banda, podrán decir miles de artículos, pero ante todo es la comprobación de que cuando una banda trabaja de verdad libre de ataduras, los destinos de la música son imprevisibles.

De ahí que la discografía de Blur, que se completa con Think Tank (2003), cuando Graham Coxon deja la banda, termine pintando un identikit musical mucho más difícil de encasillar en género alguno.

Sin dejar de producir buenas canciones, Blur sobrevivió varios años a las diferencias de criterios de sus integrantes, que en un momento se hicieron personales y amplificadas.

La separación llevó a Albarn a otros famosos proyectos como la banda de dibujos animados Gorillaz, con la que profundizó incluso con influencias africanas, y Coxon apoyó en su guitarra una prolífica carrera solista. Rowntree se dedicó a la política y James, entre otras cosas, a producir una marca propia de quesos. 

Pasaron los años y los amigos volvieron a juntarse en una serie de emotivos conciertos retratada en el DVD Westway to the world, que lleva el nombre de esa autopista bajo la cual comenzó todo. Ahora, el nuevo capítulo del presente de Blur tiene una inesperada parada en Montevideo.

Fuente: www.elobservador.com.uy

La luz y las sombras de una voz torturada

La cantante norteamericana Cat Power llegará mañana a La Trastienda por segunda vez para presentar su disco Sun.

 La primera vez que Montevideo vio a Chan Marshall estaba sobre el escenario del Plaza. Todavía tenía el pelo largo y en los ojos se advertía esa rabia que la sigue movilizando hasta ahora. Pero en ellos también había algo de incomodidad. “No querías tocar. No te culpo”, dice su canción I Don’t Blame You, cuyos acordes fueron los que cerraron un  show que dejó un gusto algo agridulce en el público.

Cat Power no es una artista pop. No tiene una personalidad impoluta ni un cancionero que brille con la fuerza de los hits de radio. Cualquier complicación que suceda –en este caso fueron problemas de sonido– parece quebrarla o al menos incomodarla sin remedio.
Ese día de mayo de 2010  su lista de canciones se redujo a los covers que aparecieron en su compilado Jukebox. Muy pocos de sus hits sonaron, como ese I Don’t Blame You –inspirado en realidad en la vida de Kurt Cobain, pero que a la vez mucho tiene que ver con la suya propia–, The Greatest y Lived in Bars.

A Cat Power  no parece interesarle satisfacer a sus fans. Más bien sobre el escenario parece invadida por la necesidad de volcar pedazos de sí en cada canción. Por eso es que Sun, su más reciente disco y motivo para esta visita, marca una diferencia tan fuerte en su discografía: no es la Cat Power de café concert que reversiona clásicos de otros artistas torturados; ni tampoco aquella a la que el alcoholismo y una mente complicada le complicaron más de un recital.

Este último año, Marshall pasó por varios eventos que a la larga o a la corta forjaron sus nuevas canciones. Casi caer en bancarrota y una ruptura amorosa hicieron de Sun –el primero con canciones originales desde el esencial The Greatest en 2006– un disco definitorio.

La cantautora tocó todos los instrumentos, incluyó por primera vez el sintetizador en sus canciones y produjo el disco totalmente por su cuenta a pesar de que su sello, Matador, le pidió que recurriera a un profesional acreditado.

El resultado fue un disco luminoso, pero no lo suficiente para poder tapar esos costados oscuros que siempre tuvo y que de alguna manera ya definen su corpus artístico. Ni siquiera un ocasional autotune logra tapar ese soul carrasposo y susurrado que destila su voz.

Cat Power es una artista que a fuerza de canciones simples salió de los bajos del indie para hacer giras mundiales. Ahora viene por segunda vez  a Montevideo. Sus canciones y ese extraño tono de su voz son suficientes para acercarse a verla mañana, a las 21 en La Trastienda.

El furor de Daft Punk rompe récords

Los franceses son la banda con más reproducciones en un día en la historia del servicio Spotify.

 La velocidad a que avanzan los robots es impresionante. Daft Punk, el dúo francés de electrónica que se disfraza de robots y nunca mostró sus rostros, ha roto una buena cantidad de récords desde la salida de su cuarto disco de estudio Random Access Memories la semana pasada. Y si el álbum sigue a este paso, podría romper unos cuantos más.

En una cultura que se ha alejado progresivamente de la compra física de discos, las marcas que rompió el grupo se vinculan con el servicio de streaming Spotify, que permite escuchar las canciones sin descargarlas. Random Access Memories se convirtió en el disco con más “streams” en su día de lanzamiento en Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Alemania, México y varios otros países. El álbum con más streams en su primera semana es hasta ahora Babel, el segundo trabajo de los británicos Mumford & Sons, pero Daft Punk se acerca velozmente a esa marca.

El otro gran récord roto por el dúo es el del primer corte de difusión Get Lucky, que alcanzó los 28 millones de reproducciones para transformarse en la canción con más streams en un día de Spotify. Y el furor desatado por el retorno de los franceses después de ocho años sin editar un disco (el último había sido Human After All en 2005) generó que tuvieran la mayor cantidad de streams de un artista en un día, lo que abarca también sus trabajos anteriores.

Daft Punk protagonizó una revolución de la música electrónica en los 90s con su disco debut Homework (1997), y ampliaron su influencia en 2001 con el álbum Discovery y el hit One More Time. Human After All no tuvo los mismos éxitos de crítica y público, pero su gira en vivo se convirtió en una de las más famosas de la historia, una que según se dice marco a fuego a la escena electro y puede afirmarse como antecedente directo de la supremacía actual del género. Random Access Memories parece ser la consagración definitiva.

Un 24 de Mayo de 1970 Peter Green abandonaba Fleetwood Mac

Era el guitarrista de la banda y uno de sus fundadores junto a John McVie y Mick Fleetwood. Green formó parte del grupo en sus primeros años y primeros discos: Mr. Wonderful, English rose y Then play on. Su composición instrumental Albatross fue, además, el primer éxito de la banda y él es también el responsable de Black magic woman, el tema que más tarde popularizó Carlos Santana.
Tras sus constantes escarceos con las drogas, Peter Green abandonó la banda después de dejar como último legado la canción The green manalishi. Más tarde inició una carrera en solitario cuyo álbum debú lleva por título The end of the game.

Un 24 de Mayo de 1941 nacía Bob Dylan

También los inmortales cumplen años. Incluso los que tienen ya sitio reservado en la Historia de la Música y la de la Literatura. Es el caso de Bob Dylan, nacido Robert Allen Zimmerman, el 24 de mayo de 1941 en Minessota y que comenzó, siendo un niño, tocando la armónica y la guitarra en un grupo de rock. De aquella época es esta grabación de un joven Dylan en una fiesta de fin de curso.
Dylan dio por fin el salto a Nueva York después de cambiar radicalmente de estilo e inspirándose en Hank Williams y, sobre todo, Woody Guthrie. Pronto llamó la atención y uno de los mejores productores que hayan existido jamás, John Hammond, se atrevió a grabar un primer disco al joven trovador de Minessota, sin saber que estaba escribiendo la Historia de la música.
En 1965, ese joven ya estaba asentado y tenía un público fiel que compraba sus discos y le seguía allá donde cantaba. Fue entonces cuando se produjo el terremoto. Dylan decidió cantar sus canciones con una banda de rock.
Polémicas aparte, la poesía de Dylan hacía correr ríos de tinta en la prensa y sus canciones estaban en el repertorio de grupos y solistas.
Un accidente de moto apartó a Dylan de los escenarios en 1966. Algunos dicen que ese accidente que le produjo amnesia fue trascendental en el giro que daría su carrera en adelante. Lo cierto es que, después de encerrarse con The Band durante meses en una casa alquilada, nació otro Bob Dylan.
En adelante, cada crisis personal daría lugar al nacimiento de un nuevo disco de Dylan que, además, seguía experimentando y arriesgándose con coqueteos, incluso, con la música dance. Un viaje a Israel y el consiguiente álbum “Infieles” puso a sus fans sobre la pista de su conversión al cristianismo que luego quedaría confirmada con su actuación ante el fallecido Juan Pablo II.
De lo que no hay duda es de que su larga carrera de más de cuatro décadas el que tomara un día como apellido el nombre del poeta Dylan Thomas ha contribuido a que la música sea hoy la que es.

Un 23 de Mayo de 1984 Tina Turner lanzaba “Private Dancer”

Un álbum con diez canciones redondas que se abría con este tema “I Might have been Queen” y donde podemos escuchar además desde una versión de “Help” de los Beatles, a un tema escrito por David Bowie, “1984”, pasando por la personal interpretación de Tina al frente del “Let´s Stay together” de Al Green.
Atrás habían quedado los años de gloria junto su marido Ike Turner y ya había tomado una de las mejores decisiones de su vida, la de separarse de él, de sus humillaciones y palizas. Con 4 niños a cuestas y tras interpretar a la reina del ácido en “Tommy”, además de ponerle banda sonora, ya en solitario en 1981 llega a ser telonera de los Rolling Stones, cosa que ya había vivido junto a Ike en 1966, y en aquellos momentos llega a ser telonera también a Rod Stewart.
Pero fue el 23 de mayo de 1984 cuando ficha por EMI y graba el que es para muchos su mejor disco “Private Dance”, donde encontrábamos aparte de los temas mencionados anteriormente este inolvidable “What´s love got to do with it” (Que tiene que ver el amor con esto) y como no, ese gran tema que daba titulo al álbum, escrita ni más ni menos que por Mark Knopfler, líder de los Dire Straits y donde sonaba magníficamente bien, como siempre, la guitarra de Jeff Beck.
El primer sencillo editado fue la versión del tema de Al Green, entrando con fuerza en las listas pero fue “What´s love got to do with it” con el que se mantuvo tres semanas en el número 1, siendo así uno de los grandes hits del año 1984. Los rumores cuentan que ese tema estaba dedicado a los tormentosos años que pasó junto a Ike.
Annie Mae Bullock, Tina Turner vivió entonces uno de sus mayores momentos de esplendor consiguiendo 5 discos de platino con él en los Estados Unidos y vendiendo una media de 250.000 copias cada semana durante dos meses, en total unos 20 millones de copias por todo el mundo. Co este trabajo cargado de soul y R&B obtuvo 6 nominaciones a los Grammy Awards de 1985, consiguiendo 4 de ellos.
La sensibilidad del rock fusionada con el pop, el R&B y la New Wave dieron como resultado uno de los discos, por no decir el disco más importante para la desgarradora Tina Turner.

Un 22 de Mayo de 1959 nacía Morrissey

Una adolescencia en la que sintió solo, presionado y en la que apareció la depresión que lo acompañaría a lo largo de su vida. Había sido un niño sensible interesado en figuras como Oscar Wilde, John Keats, el movimiento Kitchen Sink enfocado al drama, un niño que quedó totalmente impactado por los asesinatos cometidos por un hombre y una mujer en 1963, los llamados “Los asesinatos de los Pantanos” en los cuales las víctimas eran niños.
Así pasó sus primeros años, en el 384 de Kings Road de los suburbios de Stretford, Steven Patrick Morrissey, que había nacido el 22 de mayo de 1959.
Fanático del cine y de la música pop desde bien pequeño pasaba horas escuchando a Sandie Shaw o Marianne Faithfull y leyendo sobre dos de sus grandes heroes New York Dolls y, sobre todo, James Dean.
Trabajó en un departamento de desempleo y fue administrativo del Gobierno Británico pero en 1980 su vida cambiaría a raíz de conocer a Johnny Marr, junto a él, Andy Rourke y el batería Mike Joyce fundan lo que serís una mítica banda: The Smiths.
Con ellos grabo 6 álbumes que se convirtieron en clara influencia para artistas posteriores. Fue cuando creó los Smiths, cuando decidió que jamas volvería a llamarse Steven Patrick, quiso romper por completo con toda su vida anterior y se hizo llamar desde entonces Morrissey.
La banda se disolvía en el 87 debido a los conflictos creativos surgidos entre los fundadores. Así que tras ese hecho, Mozz comenzó su trayectoria en solitario.
Una estupenda carrera que comenzaría con el álbum “Viva Hate” con el que siguió manteniendo el éxito que había conseguido al frente de los Smiths alcanzando incluso el número uno.
A partir de ahí, un poco de todo, éxitos, premios, pero también aunque, no demasiados, fracasos y una legión de admiradores, muchos de ellos surgidos gracias a Smiths y otros muchos que se incorporaron a su particular voz y estilo más tarde.
Fue en 1992 un hecho acaparó todos los magazines musicales. En un concierto junto con Madness, apareció en el escenario con una bandera británica y simbología skin head, lo que dio lugar a ser erróneamente tachado de racismo por quienes no comprendieron su sarcasmo. “Ni soy racista ni nunca lo seré. Soy suficientemente inteligente para no serlo”. Es mas Morrisey lleva demostrando su compromiso social a través de sus letras desde que comenzase en el mundo de la música siendo además un ávido defensor de los derechos de los animales, apoyando a organizaciones como PETA.
Bañando en una aura de melancolía, de lirismo, lejos de las modas musicales, Morrissey posee una voz y una genialidad como pocos artistas han demostrado en los últimos tiempos.

Un 21 de Mayo de 1963 Stevie Wonder publicaba su segundo álbum con 13 años

Con apenas trece años, Little Stevie Wonder ya comenzaba a ser conocido como un niño prodigio dentro del panorama musical norteamericano. La grabación de su segundo trabajo discográfico, el primero fue The Jazz Soul of Little Stevie (1962) se produjo en el Regal Theatre de Chicago pocos días después de su decimotercer cumpleaños.
En este elepé podía escucharse uno de sus primeros hits, Fingertips, y su otra gran canción del momento, Hallelujah I love her so. Ambos inéditos aparecieron bajo la firma de Motown, el sello que le ha acompañado durante toda su vida. Steveland Hardaway Judkins, más conocido como Stevie Wonder, demostró desde temprana edad ser capaz de superar la discapacidad física que padece desde su nacimiento. Pese a ello, tanto en su niñez como en la actualidad se ha convertido en un verdadero icono de la música norteamericana.

Un 21 de Mayo de 1983 David Bowie llegaba al nº1 en las listas de singles de Estados Unidos con "Let's Dance"

Era su segundo nº1 en América y también llegó a lo más alto en las listas británicas.
Tras un flojo período, en 1983 volvió a resurgir con fuerza con el álbum 'Let's Dance', que le catapultó de nuevo a la cima con un nuevo aspecto y estilo. Comenzó a ser conocido como 'el duque blanco', por el vestuario que llevaba en sus espectáculos.

Un 21 de Mayo de 1948 nacía Leo Sayer

Nació el 21 de mayo de 1948 en el seno de una familia católica en Shoreham-by-Sea, Sussex, en Inglaterra. Y de ahí que desde bien pequeñito cantase en el coro de la iglesia donde se dio cuenta de la voz que poseía.
Ya en la banda del colegio interpretaba temas de Buddy Holly y Elvis Presley, pero fue la figura de su primo David, coleccionista de discos quien le descubrió a quienes iban a ejercer un fuerte efecto en él: The Crickets y Bob Dylan.
Mientas estudiaba arte y diseño gráfico, la música seguía siendo una de sus grandes pasiones, aprendiendo a tocar el órgano, la armónica y a comenzando a tocar también con bandas locales.
Tras formar parte de “The Worthing Workshop” o “Terrapalne Blues”, Leo Sayer, entonces Gerry, se trasladó a Londres en 1967, allí se codeó con músicos, pintores, poetas, frecuentaba el Soho y los clubs de folk de Kensington mientras diseñaba e ilustraba las mejores publicaciones del momento.
Demasiado trabajo y poco dinero así que volvió a su localidad para vivir en un barco y trabajar en una fabrica de coches, eso suponía más tiempo para su armónica y para crear sus propias canciones junto a varios amigos bajo el nombre de “Patches”.
Fue gracias a Dave Courtney, su compañero en la banda como conoció a quien se convertiría en su representante y productor Adam Faith, este llevaba los asuntos también del mismísimo Roger Daltre de “The Who”. Todo fue muy rápido, Gerry pasó a ser Leo (por su cabello que le hacia parecerse a un león) y así con Adam como manager y David a la producción llegaría su primer álbum, “Silverbird”, con el que alcanzaría el número 2 en Gran Bretaña.
Pero sin duda el año más importante para Leo Sayer fue 1976, cuando conoció a Richard Perry en Los Ángeles, este había producido a Ringo Starr, Art Garfunkel, Harry Nilsson o Diana Ross, y estaba encantado en trabajar con aquella voz, convirtiéndose así en el productor de su nuevo álbum “Endless Flight” que incluía temas como este “You make me feel like dancing”, número 2 en Gran bretaña y 1 en Estados Unidos, u otro de sus números uno “When I need you”.
Su éxito comercial estaba en uno de sus mejores momentos hasta que tras su “The very best”, en 1978, las cosas empezaron a no ir tan bien y sus ventas comenzaron a menguar. Sólo su posterior versión del clásico de los Crickets este “More than I can say” lograría situarse en una buena posición llegando al número 2 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos.

La música dance de duelo: falleció Romanthony

El músico y productor Anthony Moore, conocido artísticamente como Romanthony y famoso especialmente por poner voz al éxito "One more time" de Daft Punk, falleció en su casa de Austin (Texas, Estados Unidos).

Por ahora se desconocen las causas de la muerte de Moore quien, también para ese disco “Discovery”(2001) del dúo francés, cantó otra canción titulada “Too Long”.

Moor falleció el pasado 7 de mayo, pero la confirmación fue dada este domingo por su hermana Mellony Moore.

Daft Punk resaltó en su página web que “fue un placer” trabajar con él. Por su parte, Tiga admitió que el tema “Wanderer” de Romanthony forma parte de su Top 10 de todos los tiempos.

Otros que han tenido palabras de recuerdo para el fallecido han sido Felix da Housecat, Boys Noize o Louis La Roche.

La carrera en solitario de Romanthony arrancó a principios de los noventa con el single “Make this love right”.

Durante su carrera publicó cuatro discos: “Romanworld” (1997), “Instictual”(1999), “Live in the mix” (1999) y “R. Hide in Plain Site” (2000).

Murió Ray Manzarek, tecladista de The Doors

Ray Manzarek, el teclista y miembro fundador de la mítica banda de rock The Doors, falleció en Rosenheim (Alemania) a los 74 años, informó este lunes su publicista en un comunicado.

La publicista Heidi Robinson explicó que Manzarek llevaba tiempo combatiendo un cáncer en la vesícula biliar. El músico falleció en la clínica RoMed de la ciudad alemana rodeado de su esposa, Dorothy Manzarek, y sus hermanos Rick y James, según se detalla en la página oficial del grupo en Facebook.

Manzarek, coautor de temas como "Light My Fire", "People Are Strange" o "Riders on the Storm", fundó en 1965 el grupo musical tras conocer al poeta Jim Morrison en la playa de Venice (Los Ángeles, California).

The Doors se convirtió en una de las bandas de rock más famosas de la historia y su música aún hoy es referencia décadas después de la muerte de su líder en 1971, que provocó la disolución de la formación poco después. El grupo ha vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo.

En 1993, The Doors entraron en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

"Me ha entristecido profundamente la noticia de la muerte de mi amigo Ray", dijo Robby Krieger, guitarrista y compañero de Manzarek en The Doors. "Me siento feliz de haber tocado canciones de The Doors con él durante la última década. Ray fue una parte enorme en mi vida y siempre le echaré de menos", agregó.

Manzarek, símbolo de una era, fue interpretado por Kyle McLachlan en la película "The Doors", de Oliver Stone, en 1991. Escribió sus memorias, "Light My Fire: My Life with The Doors", en 1998.

Nacido en Chicago en 1939, continuó en activo en el mundo de la música tras la muerte de Morrison, y tras tratar de mantener a flote la banda y ejercer incluso como vocalista de la formación, publicó trabajos en solitario como "The Golden Scarab" (1973) o "Carmina Burana" (1983) y colaboró con otras bandas como Nite City.

También produjo el alabado trabajo punk "Los Angeles", de la formación X, en 1980.

Fuente: EFE.

Un 20 de Mayo de 1970 se estrenaba en Londres la película 'Let it be'

Fue la última aparición de The Beatles en la gran pantalla. El filme estaba dirigido por Michael Lindsay Hogg y fue el adiós, en formato cinematográfico, de uno de los grupos más prolíficos de los años 60.
Tres de los temas del álbum, que llevaba el mismo nombre que la película, consiguieron llegar al nº 1 de las listas de ventas del Reino Unido: el que le dio título, Get back y The long and winding road. Los cuatro componentes cerraron su historia juntos con un Oscar de la Academia. The Beatles debutó en el cine con A hard day’s night, en 1964. A ésta le siguió Help! en 1965.

Un 20 de Mayo de 1946 nacía Cher.

Cherilyn Sarkisian, más conocida como Cher, nació en El Centro (California, EE UU). Su carrera musical arrancó, de forma decisiva, de la mano de Salvatore Sonny Bono junto al que formó un dúo, Caesar and Cleo, para después convertirse en Sonny y Cher.
Uno de sus grandes éxitos llevaba por título I got you babe. En los años 70, Cher abandonó la pareja musical y sentimental que la había catapultado a la fama e inició una carrera en solitario. Su primer trabajo, en esta nueva singladura, se llamó Gypsies, tramps and thieves (1971). Poco después, el cine también llamó a sus puertas y la cantante se dedicó, casi de lleno, a la gran pantalla. Protagonizó películas como Las brujas de Eastwick (1987) de George Millar o Hechizo de luna (1989) de Norman Jewison.
Llegó la década de los 90, y Cher reapareció en el panorama musical con una imagen completamente renovada y dispuesta a convertirse en la nueva reina de la música disco. En 1998, su single Believe arrasó en las pistas de baile y se convirtió en su primer Grammy. Fue también su primer nº 1 en los 25 años que llevaba de trayectoria musical y suponía, sin duda, su retorno al ruedo de la música con más fuerza que nunca. El tema arrasó en las listas y consiguió darle un nuevo impulso a su carrera. El álbum, del mismo nombre, incluyó además otros éxitos como Strong enough y Dov'è l'Amore.

Un 20 de Mayo de 1944 nacía Joe Cocker

Todos recordamos su versión del “With a little help from my friends” de los Beatles, pero lo cierto es que ya había hecho sus propias versiones de los 4 de Liverpool en una de sus primeras formaciones a finales de los 60, la llamada “The Grease Band. Ante su profunda voz y su carisma, ya habían pasado por bandas como Big Blues o The Avengers.

Sin duda este tema con la guitarra de Jimmy Page y la batería de B.J: Wilson (el de Procol Harum) fue hasta el momento y parece ser que para siempre, el momento más álgido de la carrera de Joe Cocker. Con ella lideró durante una semana la lista de singles de Gran Bretaña para un año después recuperarla en su participación en el Festival de Woodstock.

No demasiado prolífico a nivel compositivo sus mayores logros los ha conseguido interpretando a otros, como no a Los Beatles con temas con “I´ll cry instead”, “She came in trough the bathroom windows” o “Something” solo por solo poner un ejemplo, pero también sucumbió a los encantos de canciones como “Summer in the city” de Lovi´n Spoonful, “The Letter” de los Box Tops, “Just like a woman” de Bob Dylan, Bird on a wire” de Leonard Cohen, “Honky Tonk Women” de Los Rolling Stones o este, “Feelin´alright” de Traffic y una innumerable lista de grandes canciones de otros, que interpretadas con su personalísima voz ha sido capaz de hacerlas suyas.

Sus problemas con el alcohol trascendieron tanto que eclipsaron su trayectoria, hasta que en los años 80 y tras rehabilitarse, recupera su fama, sonando en todas las radiofórmulas y haciendo canciones para el cine como “Up where we belong” junto a Jennifer Warnes para el film “Oficial y caballero”, con el que conseguiría ni más ni menos que un Oscar o como no este “You can leave your hat on”, al ritmo del cual Kim Bassinger seducía a todos y a todas en la película “Nueve semanas y media”.

Este hombre con cara de buena persona y voz desgarradora nos ha demostrado a lo largo de un montón de años que se desenvuelve con su poderosa voz como nadie, dentro del rock y del blues y me atrevería a decir que algunos de sus covers superan al original.

Conocido como “The Sheffield Soul Shouther” (el alma Souther de Sheffield), ese chico que fue expulsado de la escuela y que nunca obtuvo un diploma, nació en esa localidad Sheffield, Inglaterra el 20 de mayo de 1944 bajo el nombre de John Robert Cocker.

Buitres celebra este fin de semana hitos de su carrera en La Trastienda

Desde ayer la banda revive su pasado con cinco shows.

Buitres, la banda liderada por Gabriel Peluffo, esta celebrando dos hitos diferentes de la historia del grupo: el vigésimo y décimo aniversario de los discos Maraviya y Mientras.

Con un show titulado, Maraviya, Mientras y después, el cuarteto está revisitando esos dos momentos de su carrera desde anoche en La Trastienda en una serie de cinco shows. Por entradas agotadas para este fin de semana, se sumaron fechas para el viernes 24, sábado 25 y una quinta para el jueves 27 de junio.

Aún están a la venta escasas entradas para estas fechas en Red UTS a $ 350 las generales y $ 650 la platea preferencial.

 Historia viva

Si bien Buitres se encuentra inmerso en la preproducción de su nuevo disco, además de planificar una gira por España y Argentina, detuvieron su maquinaria para traer la historia al presente.

Hace 20 años editaban Maraviya, uno de los discos que todavía sigue ofreciendo gran parte del cancionero popular de la banda. Diez años después salía Mientras, un disco con el cual se permitieron ampliar los caminos estilísticos y compositivos.

De esta forma volverán a sonar canciones que quedaron olvidadas en el gran acervo musical de la banda, al mismo tiempo que tocarán algunos temas que quedaron en el camino de sus shows en vivo y, como siempre, se podrá cantar a coro algunos clásicos ineludibles.

Ambos discos se encuentran en este momento a la venta en sus versiones remasterizadas.

Al Pacino en película de Lennon

El actor de Hollywood se prepara para sumarse a otro proyecto que tiene a la música como eje.

La semana pasada HBO estrenó el telefilm Phil Spector, protagonizado por Al Pacino. En la cinta el actor interpreta al productor musical que se encuentra en prisión acusado de asesinar a su esposa, la actriz Lana Clarkson.

Hace pocos días se conoció la novedad de que este premiado intérprete está a punto de firmar el contrato para participar en la película Imagine, que ya cuenta con Annette Bening y Bobby Cannavale en el elenco.

Dan Fogelman es el director asignado al proyecto, responsable entre otros films de los largometrajes de animación Bolt y las dos entregas de Cars.

El argumento de la cinta presenta a un roquero entrado en años que descubre una vieja carta que le había enviado John Lennon. Desde ese momento decide cambiar su vida.

Fermín Muguruza y sus 30 años de punk y sentimiento vasco

El músico vasco vuelve a la música luego de años dedicados al cine.

Tras seis años dedicados a la realización de largometrajes y documentales,  el músico vasco Fermin Muguruza vuelve a Montevideo con una nueva gira, conmemorando sus 30 años de carrera musical y sus 50 años comprometidos con el sentimiento vasco.

Con No More Tour 13, Muguruza revive su trayectoria y visita a sus fanáticos por primera vez desde 2007.

Esta gira –cuyo nombre no quiere decir que sea la última– se remontará a 1983, año en que junto a su hermano Iñigo conformaron el grupo de ska-punk Kortatu y se transformaron en los más importantes representantes de lo que sería llamado “rock radical vasco”.

Su música también recorrerá los años de 1990, cuando conformó la banda Negu Gorriak, con la que introdujo a la ecuación el hip hop y el llamado world music.

En los años siguientes giró por Latinoamérica –llegando a Uruguay– y formaría diferentes proyectos hasta asentarse como solista a partir de 1999.

Ese año lanzó el disco Brigadistak Sound System, seguido por giras anuales junto a artistas como Dub Manifest y Manu Chao.

Para su show del domingo, a las 21 horas en La Trastienda, Muguruza tocará junto a su banda: Kontrakantxa, compuesta por nueve músicos, entre los cuales se encuentran varios colaboradores que lo han acompañado desde siempre, como Mikel Txopeitia, baterista que lo acompaña desde hace ya 22 años, desde la fundación de Negu Gorriak.

Las entradas ya están a la venta en Red UTS y Tienda Inglesa a $ 620 las generales y $ 850 la platea preferencial.

Fuente: www.elobservador.com.uy

Un 18 de Mayo de 1969 "Get Back" de los Beatles llegaba al Nº 1 de Billboard.

The Beatles consiguió un nº 1 más que añadir a su larga lista de éxitos y justo en un momento en el que las cosas empezaban a no irles demasiado bien a sus componentes.
El tema, escrito por Lennon y McCartney, se incluía en el álbum Let it be, el último disco del cuarteto más famoso de Liverpool que incluía además canciones como la que le daba título Two of us, The long and winding road o One after 909, entre otras.

Un 18 de Mayo de 1942 nacía Nace Albert Hammond

Comenzó su andadura musical en la década de los 60 y sus triunfos fueron imparables, vendió la friolera de 360 millones de discos.
Pero no sólo eso, fueron muchas los grandes artistas del momento los que tomaron sus composiciones para interpretarlas desde Barry Manilow a K.D. Lang, pasando por Perry Como, The Beach Boys, Julio Iglesias o The Hollies, y hasta la banda liderada por Thom Yorke , Radiohead, tomo prestado un estribillo de Albert Hammond para su tema de debut “Creep”.
Hammond también compuso éxitos internacionales como “Nothing's Gonna Stop Us Now” de Starship y “I Don't Wanna Live Without Your Love” para Chicago, en colaboración con la prolífica Diane Warren.
Sus temas han sido grabados por una constelación de superestrellas, entre las que se encuentran Johnny Cash, Neil Diamond, Céline Dion, Art Garfunkel, Whitney Houston, Tom Jones, Johnny Mathis, Roy Orbison, Diana Ross o Tina Turner.
Albert Hammond dejó el mundo de la música cuando nació su hijo que, con el tiempo, se convertiría en otro gran artista, como el propio Albert Hammond Jr dice que cuando era pequeño su padre le contaba historias que le incitaron a querer ser artista. Una vez le contó que uno de sus primeros shows había sido en un club de striptease de Marruecos y que allí había 22 mujeres hermosas desnudándose mientras el cantaba temas de Johnny Cash y claro, con tal motivación, su descendiente no se lo pensó y empezó a componer y tocar la guitarra para la banda “The Strokes”.
Albert Hammond se rodeaba en los 60 de colaboradores de la talla de Roy Orbison y el mismo recuerda que por entonces le llamaban “El chico número Uno” y también como entraba en la oficina de George Martin, dejaba su última demo sobre su escritorio y le decía “Este es mi próximo número 1”.
Pero no fue un camino de rosas para Albert Hammond, su carrera fue un tanto cuesta arriba, de joven tuvo que mendigar y antes del éxito sufrió innumerables fracasos.
Quizás gracias a esos obstáculos Albert Hammond, que nacía el 18 de mayo de 1942 como Albert Louis Hammond, lograría más tarde componer canciones como este “It never rains in southern California” que forma parte de la cultura musical de varias generaciones.
Él ya forma parte del Salón de la Fama de los Compositores, Salón que reconoce el trabajo y las vidas de aquellos compositores y letristas que han creado música popular en todo el mundo.

Un 16 de Mayo de 1966 nacía Janet Jackson.

 

Siendo la pequeña de la familia Jackson, su vida no podía estar desligada al mundo del espectáculo, del cine y, por supuesto, de la música. Y así sería.

Siete añitos tenía aquella bonita niña cuando empezó su carrera, abriendo en Las Vegas el show de sus famosísimos hermanos y tres más, cuando hizo sus primeros pinitos en la pantalla en series como “Good Times” o “A different kind of family”.

Pero la ambición del patriarca del clan Jackson se empeñó, como ya hiciera con sus hermanos mayores, en que Janet tenía que ser cantante y ahora que su hijo Michael ha desvelado como aquel padre “aconsejaba” a sus hijos, no es de extrañar que Janet debutara con un disco llamado como ella misma: “Janet Jackson”.

Sin embargo, vendió de él sólo unas 250 copias, pero ella insistiría y muchos de nosotros la descubríamos en su faceta de cantante, actriz y bailarina, gracias a la popular serie televisiva “Fama”.

Musicalmente las cosas no iban como se esperaba, hasta que se separó de su marido, con quien se caso a los 18 años, cambió de representante, dió clases de canto, se sometió a un estricto régimen y contrató ni más ni menos que a Paula Abdul para dar clases de coreografía.

Tanto esfuerzo se vio recompensado con el lanzamiento del álbum “Control” con el que conseguiría un gran éxito, siendo nº 1 en la lista de los discos más vendidos y cuádruple platino.

Su carrera musical iba viento en popa, mientras la combinaba con sus papeles para la gran pantalla compartiendo cartel incluso con Eddie Murphy en “El profesor chiflado 2” y logrando un notable éxito al protagonizar otra película en 2007 “Why Did I Get Married?” de Tyler Perry.

Pero, a pesar de su gran éxito comercial, muchos siempre recordarán a Janet más que por sus canciones, por su incidente en la Superbowl del año 2004, el hecho de que Justin Timberlake descubriera uno de sus senos, enajenó a los estadounidenses, otros estarían sin embargo encantados de que el suceso desviara la atención de los ciudadanos sobre la guerra de Irak. Este hecho, sus continuos cambios de peso y la “condena” de ser la pequeña de los Jackson, a veces hace que nos olvidemos que esta belleza nacida el 16 de mayo de 1966 en Gary, Indiana cerró la década de los 90 con 8 premios Billboard, que un año después sería la primera artista en colocar 7 sencillos dentro de los 5 primeros de las listas, que las discográficas se la disputaban y que firmó un contrato con Virgin que fue el más importante de la historia en aquel momento.

Poseedora de una fuerte sensibilidad social, preocupada por el futuro de los jóvenes afroamericanos y activista en la lucha contra el sida Janet Jackson fue una de las cantantes con más éxito comercial durante los 80 y los 90.

U$S 300.000 por una guitarra de The Beatles

En una subasta llena de artículos preciados del rock se encuentra el mítico instrumento que tocaron George Harrison y John Lennon.

Una guitarra que tocaron John Lennon y George Harrison a finales de los 60 podría venderse por unos U$S 300.000 en una subasta en Nueva York este sábado, que contará con otros objetos de iconos de la música como Elvis Presley o Michael Jackson.

Fabricada por encargo de Lennon en 1966, esta guitarra eléctrica de la marca VOX que utilizaron los fallecidos miembros de los Beatles durante la gira Magical Mystery se puede ver desde hoy en el Hard Rock Café de la plaza Times Square antes de la subasta, organizada por la casa Julien's.

VOX fabricó buena parte de los amplificadores que utilizaba el legendario grupo británico en sus conciertos, pero quiso entrar al mundo de las guitarras con esta pieza, en la que buscaba "encontrar un sonido único", según explicó el director ejecutivo de la casa de subastas, Martin Nolan.

Lennon tocó esta guitarra de caoba para la canción Hello, Goodbye en 1967 y Harrison la utilizó ese mismo año para I Am The Warlus durante la histórica gira Magical Mystery, cuando el grupo se encontraba en la cumbre de su carrera y que incluso fue objeto de una película con el mismo nombre.

El instrumento fue entregado como regalo de cumpleaños al buen amigo de la banda Alexis Mardas, por lo que en la parte posterior se puede ver una placa con una dedicatoria de Lennon en la que decía: "Para 'Magic Alex'. Alexi gracias por ser mi amigo. John".

La guitarra estuvo desaparecida hasta 2004, cuando Mardas la vendió a Christie's, y podría recaudar mucho más del rango previsto por Julien's, puesto que hace casi una década esa misma casa de subastas vendió una de George Harrison por U$S 560.000, según explicó Nolan.

El instrumento es la "estrella de la subasta" de objetos de iconos de la música que se celebrará este sábado y en la que también se podrá encontrar una capa diseñada por encargo de Elvis Presley para su concierto Aloha From Hawaii, que tiene un precio estimado de entre U$S 120.000 y U$S 140.000.

"Era un espectáculo muy importante para Elvis y por supuesto, como siempre, quería impresionar al público, así que pidió que le diseñaran esta capa que quería que simbolizara Estados Unidos, por lo que en la parte de atrás hay un águila con los colores de la bandera", manifestó Nolan.

Elvis se cayó al suelo la primera vez que se probó la prenda, de más de 5 kilos, por lo que en el último minuto tuvo que pedir que le hicieran una nueva con el mismo diseño pero que fuera menos pesada para poder llevarla en el concierto, el primero que fue retransmitido por satélite.

La subasta cuenta con un total de 438 objetos de otras leyendas de la música como Jimi Hendrix, los Rolling Stones, Michael Jackson, Guns N' Roses, David Bowie, Whitney Houston, Madonna, Bette Midler o James Brown.

Un 15 de Mayo de 1948 nacía Brian Eno

Nació en Suffolk (Reino Unido). Fue componente de Roxy Music, una de las bandas más vanguardistas de los años 70 y 80. Pero además, su figura es considerada hoy de gran importancia, dentro del mundo de la música, por su impecable labor como productor de artistas de éxito.
En 1973 abandonó Roxy Music y se embarcó en diversos y variados proyectos. En su faceta de productor ha colaborado con grupos como Talking Heads, para quien produjo el álbum More songs about buildings and food (1978), entre otros, y con artistas como David Bowie, con quien trabajó en discos como Low (1977) o Heroes (1978).
Aún estaba por llegar su momento de gloria, y finalmente llegó en 1980 cuando se convirtió en productor de U2. De él y de Daniel Lanois fue la labor de producción de The Joshua tree (1987) y de Achtung baby, con los que la banda irlandesa entró en su etapa más exitosa. Precisamente, sus trabajos al lado de Bono y The Edge le valieron cuatro premios Grammy.

Un 15 de Mayo de 1982 "Ebony and Ivory", llegaba al Nº 1 de Billboard

El dueto protagonizado por Stevie Wonder y el ex Beatle, Paul McCartney se colocó en lo más alto en las listas de ventas americanas. Fue el comienzo de una estancia de ocho semanas en el puesto rey de Billboard.
El tema fue el vigésimo cuarto nº 1 americano para Paul McCartney como compositor, y llegó también a ser nº 1 en Reino Unido.

Un 15 de Mayo de 1953 nacía Mike Oldfield

“Recuerdo como mi padre solía tocar la guitarra cada nochebuena”, con 10 años Mike Oldfield ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. Era de esperar que la música fuese importante en su vida, pero pasó a ser primordial por un hecho: “Vi en la tele a Bert Weedon cuando tenía 7 años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara una guitarra”, se la compraron y en cuanto le daban vacaciones en el colegio se pasaba el día practicando y tocando con ella.
Algo más mayorcito formó con su hermana Sally The Sallyangie, con su hermano Terry, Barefeet, tocó el bajo con Kevin Ayers &The Whole World, la música clásica, las grandes bandas de jazz, Mike era una auténtica esponja adquiriendo conocimientos musicales, hasta que decidió ordenar todas sus ideas para crear una sinfonía usando todo tipo de instrumentos y además tocados por el mismo, desde un xilofón a un piano de cola, desde la guitarra clásica al órgano.
Un proyecto ambicioso pero para el que se preparaba constantemente, sin olvidar que al trabajar en Abbey Road pudo conversar con los Beatles y utilizar, yendo antes al trabajo, todos los instrumentos que allí encontraba para experimentar.
Mil ideas fluían por su cabeza que quedaron plasmadas en una maqueta que nadie se “arriesgaba” a publicar, así que decidió grabar otra y tras barajarse nombres como “Opus One” o “Breakfast in Bed”, finalmente adoptaría el nombre de “Tubullar bells”.
Mike tocó en él más de 20 instrumentos y se grabaron aproximadamente 2.000 cintas de prueba y ante aquel álbum la respuesta fue unánime, era un disco magistral.
Como dijo alguien un disco que “combina lógica con sorpresa, sol con lluvia”. Su debut no pudo ser mejor y a partir de ahí, podemos decir que Mike Oldfield ha sido un artista polifacético, más que un multi-instrumentista o compositor, es un creador de atmósferas, un innovador nato, un explorador, investigador de nuevos sonidos y texturas, tocando con su talento muy distintos géneros musicales y como no el “culpable” de habernos aterrorizado con la música de la película “El Exorcista”. Para Michael Gordon Oldfield, que nacía el 15 de mayo en Reading, Inglaterra, la composición musical siempre fue una constante obra en progreso, regida por leyes lógicas o emocionales”, trabajos como “Ommadawn”, “Incantations” o “Five Miles Out” así lo demuestran.
Este enamorado de las campanas, recordemos que en 1984 justo antes de sacar Discovery dono 300 libras para que la campana de Presteigne (Gales) se tocara cada noche, tal y como había perdido un comerciante lanero del siglo XVI en su testamento, ha demostrado al mundo que hay otras formas de crear música y están en éste.

Bonnie Tyler vuelve al ruedo... 30 años después

La cantante británica puede representar al Reino Unido en el festival de Eurovision.

La primera que le ofrecieron a Bonnie Tyler para representar al Reino Unido en el festival internacional de la canción europea de Eurovision fue en 1983. En aquel entonces, Tyler rechazó la invitación.

La cantante se aercaba entonces al pico masivo de su carrera, a través de su single hipertaquillero Total eclipse of the heart, que había llegado al número uno en Inglaterra, cosa que haría luego en los Estados Unidos.

Ahora, 30 años después de aquel rechazo, Bonnie Tyler puede ser la elegida por las Islas Británicas para cantar en Eurovision. “En aquel momento, no me parecía oportuno. Pero ahora es el momento perfecto”, dijo Tyler al diario The Guardian.

Según este medio, la eventual elección de Tyler sería un bune movimiento táctico opr parte del Reino Unido. “Ella realize regularmente giras por Escandinavia, Alemania, Francia y Rusia, por lo que la base europea de sus fans le puede dar una ventaja en el concurso”, analizó el diario en su web.

La canción que presentará Tyler si es elegida se llama Believe in me.

Quizás Eurovision pueda ser un trampolín para introducir a fans jóvenes a la música de Tyler. "Es divertido, porque nunca fue un problema para mí eso”, declare Tyler al diario The Guardian. "La gente que tenía mi edad cuando comencé a cantar y compró mis discos luego tuvo hijos. Y ellos crecieron escuchándome. Por eso es que tengo también fans jóvenes”, concluyó la cantante.

 

Un 14 de Mayo de 1952 nacía David Byrne.

Nació en Dumbarton (Escocia). Fue el vocalista y líder indiscutible de Talking Heads, uno de los principales exponentes de la new wave de los años 80.
El grupo, un cuarteto, lo completaban Jerry Harrison (teclados), Chris Frantz (batería) y Tina Weymouth (bajo). Su primer álbum, homónimo, publicado en 1977, recibió una buena acogida por parte de crítica y público, presagiando ya un camino salpicado de éxitos. En su siguiente disco, More songs about buildings and food (1978), contaron con la colaboración de Brian Eno, que se convirtió en una constante en su carrera.
El éxito mayoritario le llegó al grupo, en 1983, con la canción Burning down the house, que se incluía en el álbum Speaking in tongues. En 1988, tras la publicación de Naked, el grupo se dio un respiro y David Byrne continuó su andadura en solitario, con el disco Rei Momo (1989). Un camino que ya había iniciado años antes colaborando con Brian Eno en proyectos de experimentación con música electrónica, y que siguió con la publicación de discos como The forest (1991) o Uh-Oh (1992), siempre en constante búsqueda de nuevos sonidos y estilos.
La inquietud de este artista le llevó también a explorar otros campos como el teatro. Además ha filmado documentales, dirigido películas y publicado libros de fotografía. En marzo de 2004 publicó Grown backwards, un disco que contenía títulos como Tiny apocalypse o The other side of this life.

Un 14 de Mayo de 1970 Crosby, Stills, Nash & Young se disuelven.

A partir de entonces, David Crosby, Stephen Stills, Graham Nash y Neil Young emprenderían sus carreras en solitario. Crosby Stills & Nash habían nacido como grupo en 1968.
El 14 de mayo de 1988, dieciocho años después de la ruptura, demasiado buenos para no ser conscientes de lo que eran capaces de hacer juntos, volvieron a encerrarse en un estudio para grabar su “American dream”.

Un 14 de Mayo de 1998 Muere Frank Sinatra.

Había nacido en 1915 en Hoboken, cerca de Nueva York. Su padre era un bombero de origen italiano aficionado al boxeo. De su madre, cuenta la leyenda negra que fue detenida por practicar abortos. Verdad o mentira, lo cierto es que aquel joven de ojos azules cantaba como los ángeles y tenía un encanto especial para seducir a las jovencitas.
Su larga carrera de más de seis décadas la comenzó como miembro de los “Hoboken Four”, con la Radio y sus concursos como objetivo. Y fue precisamente a través de la radio como le descubrió el trompetista Harry James que no dudó en incorporarle a la banda que acababa de formar.
En menos de un año fue Tommy Dorsey quien se hizo con sus servicios como vocalista de su conocida banda. Con ella Frank Sinatra entraría en la industria del disco y en las listas de éxito que ya no dejaría de por vida.
En 1942 decidió emprender su propia carrera en solitario y, aunque su contrato con Dorsey le impedía entrar en los estudios de grabación, la Radio y sus shows en directo le convirtieron en un fenómeno de masas, especialmente entre las jovencitas.
Cuando EE UU entró en la II Guerra Mundial, Sinatra, ni se alistó ni participó en las giras de apoyo a las tropas, lo que, unido, a su fama de mujeriego, no haría sino acrecentar esa leyenda negra que más adelante le complicaría con la Mafía y acabaría condenándole a vivir con el FBI hurgando en sus asuntos.
Sinatra sólo se vistió de uniforme, y varias veces, para el cine. Pero lo suyo era la música y, después de una larga etapa con la Columbia y otra no menos larga ni fructífera con la Capitol, decidió fundar su propia compañía, Reprise, con la que se embarcaría en nuevos proyectos y en la revisión de los cancioneros clásicos con distintas orquestas.
Cerca de sesenta años de carrera dan para mucho y Sinatra interpretó a lo largo de la suya centenares de canciones que “dijo” como nadie. Al final de la misma, recibió el homanaje de sus colegas en sendos discos de duetos, unos más acertados que otros, y en un gran concierto con el que se celebraba su ochenta cumpleaños.
Finalmente, el 14 de mayo de 1998, el viejo corazón de Sinatra dejó de latir en un hospital de Los Ángeles a los 82 años de edad. A su funaral, que dio idea de la dimensión del personaje, no faltó ni siquiera alguien tan poco dado a actos sociales como Bob Dylan. Sinatra lo había logrado. Había conseguido el respeto de todos viviendo a su manera.

Emeli Sandé: la escocesa que superó a The Beatles en Reino Unido

La cantante lleva 63 semanas consecutivas entre los 10 discos más vendidos en ese país con el álbum 'Our version of events', superando el clásico 'Please, Please Me'.

Los recién pasados premios Brit Awards entregados en febrero en Reino Unido, dejaron claro que Emeli Sandé tiene un lugar privilegiado en la música de ese país. La cantante de soul oriunda de Escocia se adjudicó el galardón como mejor solista femenina y mejor álbum por 'Our version of events', el mismo con el que acaba de superar el record de The Beatles por la mayor cantidad de semanas entre los discos más vendidos de Inglaterra.

El material, lanzado en 2012, ha logrado permanecer 63 semanas consecutivas entre los 10 discos más vendidos, según datos de la empresa británica de licencias musicales PPL.

La artista de 26 años logró superar al clásico 'Please, Please Me' de la banda de Liverpool, que se mantuvo 62 semanas entre los más vendidos desde su lanzamiento en 1963 hasta 1964, según indicó diario El País. 

Las ganancias también han sido auspiciosas: el álbum de Sandé ha vendido 1,82 millones de copias y llegó a ser número uno de ventas por 10 semanas, según indica el mismo medio.

 MÉDICO Y ARTISTA 

Emeli Sandé nació en las zonas rurales al norte de Escocia y sus primera composiciones las realizó de la mano de un piano desde que tenía 10 años de edad. Seguidora de la artista mexicana Frida Kahlo, de quien tiene un tatuaje en su antebrazo derecho, tiene como inspiración musical a Nina Simone, Joni Mitchell y Lauryn Hill.

Según ella misma señala en su página web, en su "tiempo libre" estudió medicina en la Universidad de Glasgow y se especializó en Clínica Neuro-ciencia, aunque no finalizó sus estudios.

Y paralelo a eso,  creó su primer álbum, considerado una "obra maestra" por la prensa especializada y según el Sunday Times, Emeli Sandé  se transformó en "la voz de 2012".

Su talento la llevó a crear temas para la famosa cantante Susan Boyle (participante del programa Britain's Got Talent en 2009) y abrir los conciertos de la banda británica Coldplay en su gira 2012 (en la foto).

Su más reciente trabajo lo hizo al hacer un cover de la famosa canción "Crazy in Love" de Beyoncé acompaña de la a la orquesta de Brian Ferry, versión para la banda sonora de la película El Great Gatsby, cinta que será estrenada en este més de mayo.

Emeli Sandé - Next to me

 

Jorge Drexler se aproxima a Uruguay con su "Mundo abisal"

Hará cinco shows en Brasil y aún no confirma fecha en nuestro país.

Aunque sólo ha llegado al suceso mundial en 2004 con "Al otro lado del río", canción vencedora del Oscar, el músico uruguayo tiene una carrera que se extiende por más de veinte años.

 O Globo | Silvio Essinger

Razón suficiente (pero no la única) para que Jorge Drexler montara el show Mundo abisal, cuya tournée llega a Brasil el mes que viene, después de haber pasado por buena parte de América Latina. La primera fecha es el día 3 de junio, en Corumbá, dentro del Festival América del Sur. Después, Drexler se presentó en Porto Alegre, pasa por Florianópolis, Sao Paulo y Río de Janeiro.

"Mundo abisal no es un show que tiene una selección equilibrada de las músicas de mis discos. Yo toco lo que me da ganas de tocar, hay espacio para la improvisación", dice el cantor, de 48 años. "Es un show minimalista, que hago con dos músicos alternándose en pequeños instrumentos acústicos y electrónicos. Planeé un espectáculo totalmente basado en aspectos visuales, con una escenografía teatral y un concepto de iluminación abisal, de resplandescencia dentro de la penumbra. Diseñamos la luz antes de elegir el repertorio".

Pero Drexler no se ha limitado a los escenarios en los últimos tiempos. Hace algunos meses, lanzó tres canciones (Habitación 316 (n1) , Madera a la deriva (n2) y Décima a la décima (n3)) en forma de aplicación para celulares y tabletas. Es el Proyecto N, cuya gracia consiste en poder intervenir en los arreglos y en las letras en tiempo real, obteniendo así infinitas combinaciones de una misma canción. En Décima, existe además la opción de variar los cantantes de las estrofas, entre ellos, el argentino-estadounidense Kevin Johansen y el gaúcho Vitor Ramil.

"Esa aplicación tiene dos referencias concretas de la música brasileña. Una, claramente, es Construcción, de Chico Buarque, que es la primera canción combinable de la que oí hablar. El punto de vista de la historia va cambiando a lo largo de la canción. La otra es Zera a reza, de Caetano Veloso, una canción anagrámica, que va cambiando las letras de orden", explica Drexler. "Cuando algunos amigos me sugirieron crear una aplicación, pensé en hacer esa exploración de la estructura combinatoria de la canción, que pudiera generar un género nuevo. Son canciones líquidas. No tener un sentido fijo es la razón de ellas".

Y, probando ser un individuo realmente multimedia, el cantante ha recogido los logros por la participación en la comedia romántica La suerte en tus manos, del director argentino Daniel Burman, exhibida en el último festival de Río. Drexler interpreta al protagonista, Uriel, un jugador de póquer, mentiroso compulsivo, que hace de todo para reconquistar a una exenamorada, Gloria (Valeria Bertucelli). Por el papel, recibió candidaturas para premios en la categoría actor-revelación. Un detalle: antes de esa película, el músico nunca había actuado en su vida.

"Había hecho dos canciones para una película de Daniel, El nido vacío. Un día, me dijo que había pensado en mí para un papel y le comenté: "¿Estás loco?". Y él: "Te vi en vivo, te vi hablar frente a multitudes. Podés hacer una película, no vas a necesitar interpretar". Lo que era mentira, porque el personaje era muy diferente a mí. Pero el libro era tan maravilloso que no pude decir no", cuenta. "Mi prioridad hoy en día es la música, pero si una película buena aparece, la haré, claro. ¡Principalmente si fuera en Río de Janeiro! Queda la pista para mis amigos brasileños Andrucha Waddington y Walter Salles..."

 Radicado en Madrid, hace 18 años, Drexler es un artista del mundo, pero no deja de ir a Uruguay (donde todavía tiene familia) por lo menos tres veces al año. Y ha acompañado con optimismo los cambios por los cuales el país viene pasando.

"Estoy muy orgulloso con la situación actual, con la estabilidad política, la prosperidad económica creciente e inversiones en infraestructura", elogia. "Uruguay es el primer país del mundo en conseguir una tasa de 100% de informatización en las escuelas, y se está volviendo un polo de desarrollo de software. Me gusta Mujica, con todas sus imperfecciones. Claramente, no es una persona que está aprovechándose del poder político para beneficio propio".